hellomynameiscloe – Cloé sans h

EN IMMERSION SONORE AU FIN FOND DU GROËNLAND AVEC MOLÉCULE

hellomynameiscloe — Mon, 01 Jun 2020 15:30:26 +0000

– Article rédigé pour Beyeah –

Faire écouter et faire danser l’auditeur sur des sons qu’il n’aura peut-être jamais l’occasion d’entendre. Voilà comment l’on pourrait tenter de décrire, en une phrase, le caractère atypique du projet musical de Molécule. Sauf que cet artiste originaire de Paris voit dans son oeuvre artistique quelque chose de bien plus grand qu’un « simple » projet musical à cheval entre techno et field recording. Chacune de ses productions est un projet transversal, mêlant aux pistes sonores une production papier et une production documentaire audiovisuelle.

Avant de se pencher sur son dernier projet en date, revenons sur le projet qui a inscrit Molécule dans le paysage sonore électronique. Son premier album, 60°43’’ Nord, était le résultat d’une expédition de 34 jours dans la mer Atlantique Nord, une mer réputée comme étant l’une des plus périlleuse de la planète. Il s’est ainsi embarqué à bord d’un navire de pêche, plaçant en son coeur un « home » studio et quelques dizaines de kilos de matériel de production.

De cette expédition pour le moins dangereuse sont ressorties treize heures d’enregistrements sonores, ceux-ci allant du vrombissement du moteur à la versatile humeur des vagues qui s’écrasaient sur les flancs du bateau. Ces treize heures ont permis à Romain Delahaye de composer tout un album sur le chemin du retour. Il ressort de cette première expédition avec dix titres, témoins électroniques d’une vie chaotique et rythmée par les caprices de la nature.

Chacune des pistes a son atmosphère et son lot de paix ou d’angoisse entremêlés de rythmes sourds empruntés à la techno. Lorsqu’on entend le titre Hébrides, on ressent la fraîcheur glacée des vagues en pleine tempête, et lorsque notre oreille s’attarde sur les nappes du morceau Le Lac, on perçoit presque physiquement l’accalmie et les rayons de soleil qui peinent à réchauffer dans ces conditions polaires.

Si, grâce à ce premier album, nous avons pu vivre par procuration – et dans le confort – une expérience unique, cette dernière ne s’arrête pas là. Romain Delahaye n’est en effet pas uniquement parti sur ce bateau dans le but de produire un album. Véritable projet transmedia, 60°43’’ Nords’accompagne d’un livre qu’il serait plus approprié d’appeler carnet de bord, ou cahier de voyage. À ceci vient s’ajouter la production d’un documentaire en quatre actes, témoin visuel une vie que l’on ne soupçonnait même pas.

Mais en écoutant cet album sans avoir été exposé à ses conditions de réalisation, le néophyte pourrait ne pas saisir toute l’ambition, toute l’implication physique et morale de l’artiste. Le résultat est tantôt dansant, tantôt contemplatif, mais certains pourraient ne pas reconnaître l’origine de la richesse de ces sons.

Second projet de grande ampleur de Molécule, -22.7° est, paradoxalement, plus facile d’accès pour celui qui s’attendrait à écouter de manière brute des sons inaccessibles parvenus d’ailleurs. -22.7°n’est d’ailleurs presque pas comparable à son prédécesseur, aussi ne faut-il pas le voir comme un second tome de l’expédition en terres inconnues du producteur. Pourquoi ? Car il a été conçu dans des conditions bien différentes : il est cette fois-ci le fruit d’une expédition de 36 jours au large des côtes Ouest du Groenland, sur lesquelles se trouve Tiniteqilaaq, village peuplé d’à peine plus d’une centaine d’habitants. En la compagnie de Molécule se trouvent 80 inuits, un traducteur, un réalisateur et 300 chiens de traineau. Et détrompez-vous, le fait d’avoir voyagé sur ce qui semble être de la terre ferme ne rend pas l’expérience idyllique pour autant.

Si l’on ne s’attache encore une fois qu’au résultat sonore de cette expédition, résultat que l’on retrouve dans les dix titres de ce long format, il est pour le moins varié, pour ne pas dire que son début et sa fin sont diamétralement opposés. Âriâ, le titre d’ouverture de l’album, est peut-être le morceau le plus deep que l’on ait eu l’occasion d’entendre de la part du producteur. Mené par un rythme qui prend source dans les basses fréquences, quelques sons dont on essaie de deviner la provenance viennent s’incruster, se mêler à ce qui semble être la retranscription sonore d’une balade en chiens de traîneaux.

S’ensuit Elements, morceau qui commence de façon contemplative sur des nappes électroniques, pour monter progressivement en puissance, donnant à entendre un enchaînement de sonorités « élémentaires » diverses. Plus loin, c’est la techno mentale de ses débuts qui fait son grand retour, notamment sur les titres 5951Hz (titre issu d’un bug d’une de ses machines) et Violence, au nom évocateur. Ce dernier est le témoin sonore d’une vie locale tumultueuse, soumise à des variables sur lesquelles l’être humain n’a aucun contrôle, comme la facilité à aller s’approvisionner en ressources alimentaires viables.

Par la suite, ce sont des morceaux plus calmes, presque ambient, qui font leur entrée. Jour Blanc est l’introduction de cette accalmie musicale, entracte inespéré prenant place au coeur de la tornade d’émotions vécues jusqu’à présent. Dominé par une ambiance douce et lumineuse, on imagine sans peine les étendues de neige et de glace qui font le décor du village dans lequel ce projet s’inscrit. Cet entracte ne dure pas bien longtemps, puisqu’Artefacts fait revenir la techno dans nos oreilles. Il faut attendre Délivrance (titre encore une fois plutôt évocateur) pour reprendre notre souffle, avant de le perdre de nouveau sur Qivitoq. Et si, comme nous, vous vous demandez ce que signifie « qivitoq », il s’agit là du nom donné à une tradition obscure et teintée de superstition, sorte de chasse au fantôme que le gouvernement du Groënland finançait encore il n’y a pas si longtemps.

L’album, au niveau musical pur et dur, s’arrête en quelque sorte là. Car le dernier morceau qu’il nous est donné d’entendre, Inlandsis, est une sorte de caméra embarquée sur laquelle l’image ne passerait plus pendant près de 20 minutes. Si quelques minutes se font dansantes, près d’un quart d’heure ne sont en réalité qu’un témoin brut du silence et de l’ambiance des terres sur lesquelles l’album a été enregistré.

Ce nouveau projet réunit, à l’instar de 60°43’’ Nord, un album, un carnet de bord augmenté et un film documentaire, auxquels s’ajoute une expérience en réalité virtuelle. Autant de productions connexes qui laissent imaginer ce que l’artiste pourra produire dans le futur, transformant ainsi la production musicale en véritable expérience d’immersion sensorielle.

IMMERSION AU SEIN DU DERNIER CARNET DE VOYAGE DE FELICIA ATKINSON

hellomynameiscloe — Mon, 01 Jun 2020 15:24:03 +0000

– Article rédigé pour Beyeah –

Oubliez tout ce que vous savez sur l’ambient. Absolument tout. Mettez également de côté tout ce que vous avez trouvé ennuyeux au cours de tout documentaire animalier.

Vous vous demandez sûrement où l’on vous emmène avec ce genre d’injonctions, et c’est parfaitement légitime. La clé pour comprendre tout cela se trouve dans l’oeuvre sonore de Felicia Atkinson. Si vous ne la connaissez pas, écoutez dans un premier temps un morceau parmi tous ceux disponibles à l’écoute sur son Bandcamp – dans un lieu calme et les yeux fermés de préférence, et laissez l’experte de l’ambient expérimental faire son travail en vous.

La productrice, qui nous avait déjà charmés sur son album Hand In Hand, revient sur une scène peu exploitée mais dont elle maîtrise parfaitement les codes avec son dernier EP, Coyotes. Né à la suite d’un voyage dans les terres du Nouveau Mexique en février dernier, et influencé par de nombreuses oeuvres qui n’ont pas trait à la musique mais plutôt aux arts visuels (peinture et poésie notamment), Coyotes est une pièce en deux actes ou, selon la productrice, un « carnet de voyage sonore ».

Les premières pages de ce carnet sont dénommées Lighter Than Aluminium et nous donnent à lire (ou à entendre et à voir, c’est selon) une description sonore légère d’une grande variété d’informations. Si la musique semble décrire un paysage désertique traversé à des heures lumineuses, la voix d’Atkinson, toujours chuchotée, nous donne à voir les différentes caractéristiques de ces créatures méconnues que sont les coyotes. À ceci s’ajoute les diverses ambiances sonores que nous traversons durant les quinze minutes qu’elle nous propose de passer avec elle sur ce titre. Nous passons de la découverte presque craintive d’un environnement nouveau à sa contemplation, puis son analyse, avant le retrait et le repos, pour laisser ces créatures évoluer en paix.

Le second morceau, Abiquiu, semble au contraire faire écho aux heures sombres d’une journée d’exploration. Les sonorités sont plus diverses, plus éparses, semblant répondre à un motif instinctif, voire aléatoire. Et si quelques nappes liquides se font entendre en arrière-plan, elles n’ont pas pour but d’être mélodiques, mais plutôt porteuses d’une sorte de relief, de cadre qui nous permettrait de visualiser un décor sonore. Enfin, si dans Lighter Than Aluminium Atkinson jouait peu avec les silences, ces derniers prennent ici parfois plus de place que la mélodie elle-même, imitant ainsi le déplacement calculé d’animaux sauvages. Et pour les quelques phrases qui accompagnent ce morceau, nous vous laissons les découvrir par vous-mêmes.

Coyotes est finalement ce que l’on pourrait qualifier d’un extrait de voyage conceptuel, (pas si) abstrait, oscillant entre mélodie construite et apports sonores spontanés. En bref, un intemporel auquel on reviendra aussi aisément qu’un album de vacances.

TECHNO ICONOCLASTE AU PARFUM DE ROSE : BIENVENUE DANS L’UNIVERS D’IRÈNE DRÉSEL

hellomynameiscloe — Mon, 01 Jun 2020 15:18:54 +0000

– Article rédigé et interview réalisée pour Beyeah –

Irène Drésel est le maillon qui manque à la techno. Mélodies tantôt sensuelles tantôt sportives, BPM tantôt langoureux tantôt soutenu, elle déjoue les attentes des auditeurs du genre pour les emmener, en toute conscience, dans un monde aux couleurs aussi sucrées que puissantes.

La jeune productrice et artiste plasticienne nous avait déjà conquis sur son EP Rita, elle revient aujourd’hui ravir quelques coeurs supplémentaires en s’armant d’un nouveau deux-titres, Icône. Si ce mot caractérise déjà la place qu’elle pourrait prendre dans le paysage électronique français, il définit aussi l’essence même des deux morceaux qui le composent. Car en effet, Icône et Medusa sont deux morceaux qui fascinent dès la première écoute, et deviennent soudainement essentiels à notre répertoire musical.

Le premier titre évolue dans un registre qui, bien qu’il soit dansant, relève plutôt de la musique mentale. C’est un morceau progressif où chacune des lignes mélodiques vient s’ajouter à la précédente et renforce l’atmosphère aussi suffocante qu’hypnotique du morceau. Cependant, Medusa est tout son contraire. Beaucoup plus calme et plus contemplatif que son prédécesseur, il évolue autour du concept de la langueur et de la douceur, plaçant l’auditeur dans une bulle sonore qui le coupe du capharnaüm qu’est le reste du monde, l’espace de quelques minutes.

Mais Irène Dresel n’en reste pas là. Si son univers musical est unique, son univers visuel l’est également. D’une esthétique sans pareille, soignés jusque dans les détails, ses clips comme ses sessions live ne nous laissent pas sur notre faim. On a écouté et réécouté ses morceaux jusqu’à disséquer une à une chaque seconde qui les composent, et c’est à ce moment que de nombreuses questions ont émergé de notre esprit. Nous avons eu l’occasion d’en poser certaines à l’artiste.

Ce qui surprend quand on t’écoute pour la première fois, c’est que ta musique, c’est de la techno sans être de la techno. La forme est là, c’est indéniable, mais le fond est totalement différent de ce à quoi tout auditeur est habitué. Qu’est-ce qui fait que tu ne produis pas « comme les autres » ? D’où viennent tes inspirations ?

Alors déjà pour répondre de manière un peu « technique » j’ai toujours composé seule et comme personne n’est avec moi lorsque je produis mes morceaux, j’ai du mal à me rendre compte si ma manière de travailler est la même que celle des autres producteurs de techno. Ma méthode à moi est complètement déconstruite, linéaire et instinctive. J’aurais d’ailleurs beaucoup de mal à l’enseigner.

Pour ce qui de ce style musical, mes inspirations viennent d’artistes comme James Holden, Nathan Fake, Stephan Bodzin, Extrawelt, Isolée, mais aussi Chloé et Rone. Pour ce qui est du reste, j’ai toujours baigné dans la musique classique et j’ai un gros penchant pour la musique bangladaise avec des voix de femmes dont le timbre aigu et si particulier me touche beaucoup. J’aime beaucoup le rap aussi, mais je suis assez difficile.

En fait j’aime toutes les musiques qui « tiraillent » et frappent en plein cœur.

Est-ce que toutes tes compositions évoluent dans ce genre musical, ou est- ce que tu t’es cherchée avant de construire cet univers ?

Non dès que je me suis mise à faire du son c’était dans le but de faire de la techno. Mais mes débuts étaient un peu moins groovy, plus de l’ordre de l’electronica. Aujourd’hui c’est nettement plus incisif.

Ton titre Icône a-t-il quelque chose à voir avec la définition propre du mot ? Ou est-ce que le lien avec ce dernier est plutôt conceptuel, voire abstrait ?

Le mot « Icône » fait d’abord référence aux images pieuses ou aux statuettes ouvrant sur le monde de l’au-delà. On regarde une image, on la fixe, pour se connecter par la force de l’esprit avec l’effigie du saint ou du dieu représenté. C’est fou quand on y pense, non ? En ce qui me concerne je ne suis ni dévote ni fanatique de quoi que ce soit, mais j’ai toujours été émue par les rassemblements de gens qui se recueillent et le phénomène d’adoration. J’étais à Bangkok l’hiver dernier, et je garderai longtemps en mémoire l’image de ces thaïlandais qui se prosternent devant Bouddha représenté à peu près tous les cent mètres partout dans la ville. Il y a aussi l’image du Roi accrochée partout. Comme une icône, à sa manière. Il y a une part de kitsch dans tout ce rituel qui me plait. Chez moi j’ai des statuettes de Sainte Rita, de Fatima, de Marie ! Certaines sont fluorescentes dans la nuit et dissimulées dans des bosquets ainsi que sous ma véranda. Au fond je trouve que tout cela apporte beaucoup de charme à un quotidien.

Dans une interview, tu disais au sujet du morceau Medusa que tu l’as nommé en rapport avec le personnage mythologique qu’est Méduse. Tu puises souvent dans des références mythologiques ou spirituelles pour composer ta musique ?

Le nom du morceau Medusa est né suite à la réalisation du clip ce qui a permis d’établir un lien fort entre le morceau, la video, et le titre. Mes ressources sont vastes, je n’ai pas un besoin nécessaire de puiser absolument dans du spirituel mais toutefois je reconnais que la musique techno invite à quelque chose de mental.

Les deux titres de ton dernier single sont d’une nature très ambivalente. Il y a d’un côté Icône, à la fois libérateur et anxiogène, et de l’autre donc Medusa, plutôt contemplatif que relaxant. Qu’est-ce qui t’a fait réunir ces deux morceaux sur un même disque ?

Leur différence, justement. Medusa est un morceau sinueux aux sonorités électro, tandis qu’Icône va droit au but, plus minimal et techno. À eux deux ils sont un bon résumé de la complexité de mon univers tout entier, à la fois doux et frontal avec ce quelque chose qui peut amener à l’étourdissement. Ils se réunissent aussi via leurs significations propres. En effet si Medusa nous rend aveugles, l’Icône, elle, est une image qui nous emmène vers l’imperceptible. Il y a donc toute cette symbolique du passage du visible à l’invisible dans chacun des titres.

Le clip qui accompagne Medusa m’a laissée sans voix. Je me suis surprise à être totalement hypnotisée par les mouvements de la jeune fille, qui semble par ailleurs plus ressembler à un pantin désarticulé qu’à une personne humaine. Pourquoi ce choix artistique ? Comment faire le lien entre un clip si torturé et un morceau aussi doux ?

Déjà merci. C’est drôle, je ne dirais pas que ce morceau est “doux”. Ses sonorités sont à la fois mystiques, envoûtantes, et à mon sens un peu dérangeantes. Le clip qui l’accompagne, réalisé par Jean Garcin et Ola Klebanska, montre en effet une petite fille qui nous retient prisonniers dans sa danse cérémoniale jusqu’à disparaitre dans l’obscurité. C’est une image que j’ai eue dès la composition du titre. J’ai vu quelque chose d’assez noir, nous prenant par la main sans plus nous lâcher.

Récemment, tu as sorti le clip de Fogorne, morceau musclé issu de ton précédent EP Stroboscopique, et qui consiste en la répétition d’une scène relativement simple : une personne manipulant un couteau entre ses mains. Deux questions au sujet de ce clip : tu collabores souvent avec Florence Lucas, d’où est née cette collaboration ? Et pourquoi avoir fait le choix de cette scène répétitive pour illustrer la totalité du morceau (comme tu avais déjà pu le faire pour Guetotrou) ?

Ce n’est pas un clip, mais simplement une animation gif réalisée par Flokim Lucas avec qui j’ai collaboré sur deux de mes clips Lutka et Rita. Ayant découvert son travail sur internet via un clip qu’elle avait fait pour Bot’Ox, je l’ai contactée et nous avons travaillé ensemble. Aujourd’hui on sait à quel point les personnes écoutent de la musique via Youtube. Les morceaux sont en ligne avec en guise d’image de support soit un clip, soit une image fixe. Le Gif me permet de mettre mes morceaux non-clippés en ligne, avec une image visuelle en mouvement continu issue d’une boucle, comme hypnotique. Cependant rien n’est laissé au hasard sur le choix du gif. Fogorne est la contraction de Fog Horn, en anglais corne de brume, ce signal d’alarme utilisé par les navires pour signaler l’abordage. Le son que j’ai utilisé à la dixième seconde du morceau me faisait penser à cette image navale. Sur ce gif on devine un personnage en tenue d’officier de marine faisant tournoyer un couteau sur lui-même. J’aime bien la tension générée par un même geste répété, et ce côté, comme tu dis, stroboscopique.

En parallèle de ton activité de productrice, tu es aussi plasticienne. As-tu jamais pensé à relier les deux activités ? À produire une oeuvre audiovisuelle, par exemple ?

Bien sûr j’y ai pensé, mais pour le moment je n’ai pas le temps de m’y atteler ! La composition et la prépa du live me prennent énormément de temps. J’aime faire les choses bien et je suis perfectionniste… Dans tous les cas, le fait d’être moi-même la directrice artistique du projet dans sa globalité (son, image, scéno, costumes, clips, com, etc.) est une manière de mettre à profit mon background en tant qu’artiste plasticienne.

Qu’en est-il de ton live ? Peux-tu nous en dire plus sur la manière dont il sera accompagné, visuellement parlant ?

Sur scène, la table sur laquelle sont installées mes machines est recouverte de fleurs. Comme un autel. Il y a quelque chose de presque cérémonial. J’avais envie de m’écarter de l’image minimaliste de la techno pour l’aborder de manière beaucoup plus sensuelle et colorée. Il faut savoir que la recherche de plaisir est sans doute la motivation première qui pousse les individus vers la musique techno.

Il y a bel et bien de la sensualité dans la techno, ce qui peut être difficile à comprendre de la part des non-initiés.

Nous sommes trois sur scène. Je suis comme à la proue d’un bateau, avec à bâbord Sizo Del Givry aux percussions, et à à tribord Ola Klebanska à la flûte à bec, un instrument atypique aux sonorités simples et envoûtantes. Elle apparait en milieu de live, comme par enchantement.

La techno s’écoute les yeux fermés. Lorsque je joue sur scène, je vois autant de gens les yeux fermés que les yeux grands ouverts, leur iphone tendu à bout de bras pour enregistrer des images. Certains ferment les yeux pour partir dans une espèce de transe, de rêve. Mon idée est que lorsqu’ils les rouvrent ils ne quittent pas cette zone de rêverie. Parfois le live est accompagné de mapping réalisé par l’agence Blow Factory, ce sera le cas le 2 août lors de la date au Mucem pour l’événement Plan B avec Scratch Massive en première partie.

Enfin, tu sembles entretenir un rapport particulier avec les roses. Que ce soit sur Instagram ou dans au cours de tes lives, c’est souvent que l’on en retrouve. Qu’est-ce qu’elles signifient, pour toi ?

C’est ma fleur préférée depuis toute petite. J’habite à la campagne et chez moi, dans ma maison, dans mon jardin, il y a des roses partout. Je mélange fleurs naturelles et fleurs artificielles. Il y en a sur mon portail, dans ma veranda… La rose est la reine des fleurs, le symbole de l’amour, du romantisme. C’est une fleur qui fut vénérée dès l’Antiquité : les Grecs et les Romains la considéraient comme un cadeau des dieux fait à la terre et aux hommes. Il la cultivaient abondamment, notamment pour les cérémonies nuptiales. J’aime beaucoup la pivoine aussi, mais c’est plus éphémère !